Die Mode des Staates New York

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Modekritik

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Von Vanessa Friedman

Es war das Wochenende der New York Fashion Week und es regnete auf der Laufstegparade von Tommy Hilfiger.

Nach ein paar Jahren Abwesenheit war der Designer mit seinem charakteristischen „Jetzt sehen/jetzt kaufen“-Adrette-Cosplay und mit einer besonderen „Tommy Factory“-Spektakel nach dem Vorbild von Andy Warhols Factory zu seiner Heimatbasis zurückgekehrt. (Die beiden Männer lernten sich in den 1980er Jahren kennen und Herr Hilfiger sagte in einer Vorschau, dass er sich seitdem von Warhol inspirieren ließ.) Es geht darum, die Idee des persönlichen Erlebnisses zu vergrößern.

Er hatte einen Laufsteg im Freien mit etwas bedeckt, das wie silberne Alufolie à la Warhol aussah; lud eine Reihe berühmter Persönlichkeiten – Kate Moss, Jon Batiste, Shawn Mendes, John Legend – ein, in der ersten Reihe zu sitzen; Travis Barker trommelte sogar für das Finale. Aber er hatte kein Zelt und es regnete.

Nicht einmal die lebhaftesten Stars konnten verhindern, dass das Ergebnis wie ein feuchter Tropfen aussah: eine leere Hülle klischeehafter amerikanischer Bezüge (die Uni-Jacke! das Rugby-Shirt! der Tennis-Pullover!) in einer Welt, die nicht viel damit zu tun hat mehr noch, bedeckt mit Razzmatazz, der vom Wetter weggespült wurde.

Darunter war einfach nicht viel Substanz. Und Substanz ist das, was die New Yorker Mode wirklich braucht.

Wie bei so vielem im Moment tut sich auch hier eine Kluft zwischen dem, was war, und dem, was sein könnte, auf.

Viele der Namen, die einst den Stil der Stadt prägten, sind verschwunden – oder zumindest nicht mehr auf dem offiziellen Laufsteg: Calvin, Donna, Ralph, Marc. Die verbleibenden Ältesten neigen zu einem Nostalgiestück. Die Generationen von Designern, die danach kamen und als das nächste große Ding angekündigt wurden, scheinen in einer sehr Moll-Tonart festzustecken.

Doch gleichzeitig drängen neue Namen von den Rändern auf, oft ohne klassische Ausbildung, aber mit dem Selbstvertrauen und der explosiven Energie, die die Mode in der Vergangenheit vorangetrieben hat.

Diese Designer definieren Power-Dressing neu, nicht als Uniform zum Aufstieg auf der Karriereleiter (was ist das jetzt überhaupt, in der Zeit des verschwindenden Büros?), sondern als Uniform der Identität für ein Mosaik von Subkulturen. Das Ergebnis ist größtenteils chaotisches Potenzial, aber es könnte die Stillandschaft neu ausrichten. Betrachten Sie die Strategien.

„Ich fühle mich wie in einer Zeitmaschine“, sagte ein Gast, der auf einer der weißen Sitzbänke der Tom-Ford-Show saß und Madonna in schwarzem Satin beäugte. Die Show fand in der Innenstadt in der Vesey Street statt, aber die Atmosphäre war mit nichts vergleichbar wie in Mailand um 1998 und der Blütezeit von Mr. Fords Gucci. Damals nutzte er die 1970er-Jahre für hedonistischen Modespaß und die 80er-Jahre für High-Glitzer, indem er sich den Follow-Spot zu eigen machte, das Beige des Doppel-G unterwanderte und auf der Lippe des Vulkans des schlechten Geschmacks herumtanzte.

Es war wie ein verlorener Disco-Albtraum aus pastellfarbenem Lurex, Studio 54-Cowgirls, Elvis-in-Vegas-bestickten Samt-Hotpants, Spitzen-Tangas und Glanz, aktualisiert mit einer Prise Sportkleidung und im Takt von Robert Palmer trommelt „Addicted to Love“. Sparkle wird bis zum Äußersten getrieben, bis zu dem Punkt, an dem es zu etwas völlig Dunklerem und irgendwie Verzweifeltem wird. Glamour auf diesem Platz kann anstrengend sein.

Dennoch war es eine Erinnerung daran, dass Herr Ford nach einer Woche, in der Begriffe wie „sexy“ und „Y2K“ im Trend lagen, eine Zeit lang beides definierte. Wie Michael Kors, dessen elegante Kollektion urbaner Tropicana – elegante Blazer und Sarongröcke, die mit Seidenfransen besetzt sind; Seidenstoffe mit Hibiskus-Print und Jersey-Säulen, die an goldenen Halsstücken aufgehängt sind – seine Arbeit strahlt ein Selbstbewusstsein aus, das um die Jahrtausendwende verfeinert wurde.

Das Problem ist, wie es im letzten Lied von Mr. Fords Show hieß: „Die Zeit wartet auf niemanden.“ So schick es auch sein mag, all diese Nostalgie scheint nichts weiter als ein Nachtrag zu sein.

Bei Proenza Schouler sehen Lazaro Hernandez und Jack McCollough immer noch so aus, als würden sie für die Chelsea-Kunstszene entwerfen, obwohl die Kunstszene weitergezogen ist. Sie fügten den Ärmeln ihrer Tuniken und Minikleider riesige Flamenco-Rüschen hinzu und vergrößerten die Schlaghosen ihrer engen Hosen; Hemdblusenkleider aus transparenter Spitze mit geriffelten Manschetten; und auf die Polka Dots geschichtet. Joseph Altuzarra hat sich auf einen Rhythmus aus Anoraks, gestreiften Hemden und sehr detaillierten, zunehmend komplexeren Shibori eingestellt, was für einen coolen, wenn auch vorhersehbaren Kontrast sorgt.

Und Stuart Vevers von Coach steckte einfach den Kopf in den Sand und baute eine Geisterstadt-Promenade auf Coney Island, auf der einige unzufriedene Jugendliche in übergroßen, abgenutzten Lederjacken, Aran-Strickwaren und Babydoll-Kleidern umherschlenderten, deren Stabheuschreckenbeine in Gelee-Sandalen steckten (plus Lil Nas X, das neue Gesicht der Marke, in Ledershorts und Weste).

Zumindest warf Wes Gordon Carolina Herrera eine Art Fehdehandschuh hin, indem er hinter der Bühne verkündete: „Ich habe es satt, Angst davor zu haben, zuzugeben, dass ich das Wort „hübsch“ liebe.“ dazu passende geraffte Hosen und Oberteile mit riesigen Stoffkorsagen und kleinen Hamptons-Cocktailkitteln. Dafür gibt es einen Kunden, auch wenn sie wie eine zunehmend gefährdete Art erscheint.

„Ich habe viel darüber nachgedacht, dass Frauen nicht eingeschränkt werden wollen“, sagte Tory Burch hinter der Bühne vor ihrer Show, die Lagenkombinationen aus Hemden, bis zur Wade reichenden Röcken oder Hosen und einem Obi-ähnlichen Stretchgürtel zum Aufrollen zeigte je nach Wunsch nach oben oder unten. Kleidung, die die Freiheit bietet, sich nach Belieben durch die Welt zu bewegen! Was für eine Idee.

Ein weiteres war bei Peter Do zu sehen, wo die vierteiligen Unisex-Anzüge des Designers – Jacke oder Hemd, Hose und plissierter Überrock, befestigt mit einem langen Ledergürtel – zunehmend wie die zeitgenössischen Nachfolger von Donna Karans „sieben einfachen Teilen“ wirken. Fügen Sie nach Belieben Teile hinzu oder entfernen Sie sie, je nach Anlass (der Rock, wie eine Schleppe, hier; ein wogender Seidenstaub, wie eine Wolke, dort), und gehen Sie dann überall hin.

Und noch einer bei Gabriela Hearst. Zur Live-Begleitung des Resistance Revival Chorus kamen eine Reihe von Aktivisten und Freunden – Cecile Richards, die ehemalige Leiterin von Planned Parenthood; Xiye Bastida, der mexikanische Gründer der Re-Earth Initiative im College-Alter; Lauren Wasser, die durch das toxische Schocksyndrom beide Beine unterhalb des Knies verloren hat – wie eine Reihe von Gladiatoren für reproduktive Rechte, gepanzert mit Leichtigkeit und Eleganz und bereit zum Streit.

Große goldene Klammern säumten die Ränder maßgeschneiderter Hosenanzüge, und lange goldene Staubwedel bedeckten schlichte Trägerkleider. Aus Häkelwirbeln wurden gestrickte Tuniken und Hosen hergestellt. Geschmeidiges Leder wurde mit 24 Karat getönt und in schildartige Mieder auf schwarzen Jersey-Säulen geschnitten.

Nun, wenn Sie jemals einen goldenen Brustharnisch modellieren möchten, ist die Zeit nach dem Sturz von Roe v. Wade möglicherweise der richtige Zeitpunkt. Frauen melden sich in Rekordzahl zum Wählen an und werden aktiv, wenn ihre Gebärmutter zum Gegenstand öffentlicher Debatten wird. Sie werden etwas zum Anziehen brauchen.

Oder eine neue Geschichte zu erzählen, bei der es um Kleidung geht, die auf einem Wertesystem basiert, das auf Gemeinschaftsmoral und nicht auf Marktforschung basiert. Kleidung, die ein Publikum voller Gleichgesinnter anzieht, die vorher wie Groupies die Straßen verstopfen und die Kleidung der Designer tragen, zu denen sie gekommen sind – nicht als bezahlte Botschafter oder Influencer, sondern als echte Konvertiten.

Siehe zum Beispiel Hillary Taymour von Collina Strada, deren Kollektion aus riesigen Flower-Power-Cargohosen, geschrumpften T-Shirts und dekonstruierten Hofkleidern (Taschen, Korsetts, Schleppen) nicht nur Materialien, sondern auch historische Momente und sogar Gemüse recycelt und neu mischt ( Brokkoli-Handtasche, irgendjemand?) und scheint eher vorausschauend als randständig zu sein.

Oder Maryam Nassir Zadeh, wo Stoffreste gefunden wurden – einige davon, wie Hotelhandtücher und Deckchen; einige gesammelt – wurden festgesteckt und zu Pseudo-Kleidungsstücken geschichtet, die eher wie Andeutungen von Kleidung als tatsächliche Kleidung aussahen. Das Gleiche gilt für Mike Eckhaus und Zoe Latta von Eckhaus Latta, deren Kleidung das modische Äquivalent von Sammlerkeramik ist. Dazu gehörten dehnbare Rippstrickwaren, die mit Werken des Malers Matthew Underwood bedruckt waren, weiche Luftpolster-Tops, die über dem Oberkörper schäumten, metallische T-Shirts und einige unerwartet entblößte Gliedmaßen, darunter eine einbeinige Hose.

Beide Labels begannen als Quasi-Kunstprojekte, haben sich aber zu immer solideren Unternehmen entwickelt, was auch die Richtung von Puppets and Puppets zu sein scheint, der Linie der Mixed-Media-Künstlerin Carly Mark. In dieser Saison kombinierte sie Bustier-Kleider, Spitzen-Bodys und Trompe-l'oeil-Bodys aus Leder mit einfachen Etuikleidern mit Reißverschluss vorne, einem kleinen Set aus Strickjacke und Rock aus Kristall und den mit Snacks verzierten Handtaschen, die bereits ihr Markenzeichen sind. Sie waren lecker.

Im Gegensatz dazu schreien die Geschirre, Käfige und zerfetzten Kleidungsstücke von Elena Velez, die zwischen Milwaukee und New York arbeitet, nicht nach „Trage mich“ – sie schreien größtenteils nach „postapokalyptischer Pole-Tänzerin“. Doch der kompromisslose Umgang mit dem Körper, seiner Macht und den Möglichkeiten, ihn zu fetischisieren, zu vereinnahmen und zu kontrollieren, lässt vermuten, dass es sich hier um einen Designer handelt, der versteht, in welche Richtung die Dinge gehen.

So auch Edvin Thompson von Theophilio, der Anspielungen auf die Modegeschichte mit der Geschichte seiner Reise von Jamaika nach New York in „I [heart] TP“-Strassstein-T-Shirts und Theophilio-Graffiti vermischte, die über auf Rippstrick gedruckte Bilder von Souvenirläden gespritzt waren Miniröcke und Teeny-Kleider, bedeckt mit durchsichtigen Pailletten.

Und das gilt auch für Everard Best und Téla D'Amore von Who Decides War, einer Marke, die auf der Idee von Denim als universeller amerikanischer Religion und Jeans in all ihren Variationen basiert – ausgefranst, bestickt, geflickt, bemalt, mit Porträts aus Buntglas verziert, gesprenkelt mit Strasssteinen wie Wassertropfen, mit Spitze überzogen wie ein Taufkleid, durchdrungen von Anspielungen auf Klimawandel und Kolonialismus – als Evangelium. Es steht auf dem Stoff und in den Nähten.

Das Ergebnis, erweitert um Sweatshirts mit in den Körper eingeschnittenen Buntglasfenstern und ein paar Kleider mit den gleichen komplexen Oberflächenbehandlungen, könnte das sein, was dieses Land der wirklich originalen amerikanischen Couture am nächsten kommt.

Vanessa Friedman ist seit 2014 Modedirektorin und Chef-Modekritikerin der Times. In dieser Rolle berichtet sie über globale Mode sowohl für die New York Times als auch für die International New York Times. @VVFriedman

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