Die Gesten des Alltags in Kunst verwandeln

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Die Choreografin Katja Heitmann sammelt für ihr fortlaufendes Tanzprojekt die Gewohnheiten und Verhaltensweisen der Menschen – wie sie gehen, stehen, küssen, schlafen und zappeln.

Von Zoey Poll

Fotos und Video von Melissa Schriek

TILBURG, Niederlande – Ein paar Mal am Tag knackt Mahat Arab, ein 26-jähriger niederländischer Spoken-Word-Künstler, bei Aufgaben, die ihn ängstlich machen, wie Autofahren oder Telefonieren, mit den Knöcheln seiner linken Hand . Karolien Wauters, eine 23-jährige Tänzerin, steckt oft ihre Hand in den Hosenbund ihrer Leggings. Und Chandra Merx, eine 41-jährige Stadtratsbeamtin in Maastricht, zieht die Augenbrauen hoch, nicht nur als Ausdruck ihrer Überraschung, sondern auch als Reflex, wenn sie in Eile ist oder in Gedanken versunken ist.

Für Katja Heitmann sind solche Bewegungen – eine unbewusste Routine, ein Tic, ein unverwechselbarer Gang – der Kern der einzigartigen Persönlichkeit jedes Menschen. Heitmann, ein deutscher Choreograf mit Sitz in Tilburg, glaubt, dass jeder mindestens eine Geste hat, die ihm gehört. „Wenn man genau hinschaut, weiß man, dass sich keine zwei Körper auf die gleiche Weise bewegen“, sagte sie.

Heitmann, 35, sammelt seit drei Jahren Beispiele dieser Bewegungen. Im Jahr 2019 startete sie einen offenen Spendenaufruf und lud Menschen ein, ihre eigenen Gewohnheiten und Verhaltensweisen einzubringen. Ihre Sammlung enthält mittlerweile die Bewegungen von 1.023 Personen – wie sie gehen, wie sie küssen, wie sie schlafen, wie sie stehen, wie sie zappeln.

Das Projekt mit dem Namen „Motus Mori“ (was „Bewegung, die aussterben“ bedeutet) ist auf ein Team von 10 Tänzern angewiesen, um diese Gesten am Leben zu erhalten. Bis auf eine minimalistische Notizkarte pro Spender wird nichts von den Bewegungen fotografiert oder gefilmt oder auch nur schriftlich festgehalten.

„In unserer heutigen Gesellschaft versuchen wir, die Menschheit in Daten einzufangen“, sagte Heitmann. „Aber wir verlieren dadurch etwas.“

Ihr Inventar ist analog und ephemer: Die Tänzer zeichnen die Gesten in ihrem Muskelgedächtnis auf. Sie inszenieren häufig fünfstündige, öffentlich zugängliche Tanzinstallationen, in denen sie die Bewegungen von Hunderten von Menschen nachspielen. „Das Archiv“, wie es ein Tänzer ausdrückte, „sind unsere Körper.“

Die Arbeit passt zur langjährigen Praxis von Choreografen, die sich auf das tägliche Leben beziehen, wie etwa Pina Bausch, die sich von den Erinnerungen und Emotionen ihrer Kollegen inspirieren ließ, und Twyla Tharp, die alltägliche Handlungen wie Stürze und Hüpfen in ihre Performances einbezieht. Doch anstatt aus der Ferne zu beobachten, arbeiten Heitmann und ihre Tänzer direkt mit Freiwilligen zusammen, um herauszufinden, welche ihrer Bewegungen es wert sind, gerettet zu werden.

Der Interviewprozess beginnt, sobald ein Freiwilliger durch die Tür kommt. Einer von Heitmanns Tänzern begleitet die Person eine Stunde lang diskret durch das Studio und fragt nach alltäglichen Aktivitäten wie Arbeiten oder Pendeln. Dabei ahmt er die Anatomie der Person nach, von der Krümmung der Wirbelsäule bis zur Fußstellung.

Für die Freiwilligen ist es verlockend, aufrechter als sonst zu sitzen oder eine Idealversion ihrer selbst zu zeigen. „Ich wollte es wirklich gut machen“, gab Karen Neervoort, 64, die Dekanin einer örtlichen Schule für darstellende Künste und eine der ersten Gestenspenderinnen zu. Aber die Tänzer fördern die Offenheit, indem sie Geschichten über ihren eigenen Körper oder Beispiele von anderen Teilnehmern erzählen.

„Ich dachte immer, die Leute seien generell zurückhaltend, aber schon in den ersten Minuten erzählen sie uns so viel“, sagte der Tänzer Wies Berkhout. „Sie vertrauen uns ihre Unsicherheiten und Traumata an.“

Es hilft, dass die Interviews im Wesentlichen privat sind (nur Vornamen und Alter) und inmitten leuchtender Inszenierungen und eines atmosphärischen, langsamen Soundtracks stattfinden. „Sie betreten einen ganz bestimmten Raum, eine Kunstinstallation, die Sie bereits öffnet“, sagte einer der Teilnehmer, Ranti Tjan, der 56-jährige Direktor der Königlichen Kunstakademie in Den Haag.

Wie in einem früheren Stück, „Pandora’s DropBox“, einer düsteren Meditation über das Streben nach Perfektion, konzipierte Heitmann „Motus Mori“ als Reaktion auf das, was sie als kulturelle Tendenz zur Homogenität ansieht – Beweise dafür, die sie in sehr unterschiedlichen Beispielen findet wie die Stadtplanung in Tilburg und die einheitliche zahnmedizinische Arbeit ihrer Studenten. („Wenn sie mich anlächeln, haben sie alle die gleichen Zähne.“)

Für Heitmann gibt es keine „gute“ oder „schlechte“ Bewegung, solange sie authentisch ist: Eine gewöhnliche Dehnung (Handgelenke, Nacken, Zehen) oder Kratzen (Kneifen mit zwei Fingern, seitliches Streichen) ist ebenso würdig Betrachtung als sentimental (ein Haarkuss, ein Händedruck in der Kindheit) oder komplex (Kampfkunsttechniken, religiöse Rituale).

Es gibt auch Bewegungen, die klassische Musik (Zeigefingerdirigieren), Fernsehen (kopfüber auf dem Sofa hängend) und Instagram (Entengesichter) begleiten. Es gibt Ausdrucksformen von Schmerz (Zucken), Langeweile (Daumendrehen), Ekstase (Tanzen), Terror (Lähmung), Alter (Zahnersatz) und Schlaflosigkeit (Herumlaufen). Für jede bedeutungsvolle Bewegung gibt es ebenso viele ohne Bedeutung, seien es geistesabwesende Gewohnheiten (Ringdrehen) oder schlechte Gewohnheiten (Zähneknirschen oder Fingernägelkauen).

Nach Abschluss des Interviews interpretiert der Tänzer die Bewegungen des Spenders in der langsamen, präzisen Sprache von Heitmanns Choreografie neu. Ihre Auftritte, von denen viele für die Teilnahme des Publikums offen sind, behandeln zeitgenössische Themen wie Identität und Technologie („Siri Loves Me“, „For iTernity“) in einem spannungsgeladenen, minimalistischen Zeitlupenstil. Die Tänzer zittern und schwitzen sichtlich und bemühen sich, ihren Körper ruhig zu halten, sogar ihre Augenlider. Die ursprünglich natürlichen und fließenden Gesten des Freiwilligen werden in isolierte Fragmente zerlegt; Eine Welle oder das Überkreuzen eines Knöchels hinter dem anderen könnte minutenlang andauern, eine bewusste Ästhetik, die die Bewegungen auf distanzierte, analytische Distanz hält.

„Die Geste ist das Vokabular und die Choreografie ist die Grammatik“, erklärte Heitmann und fügte hinzu, dass ihre Choreografie „ein Gefühl der Melancholie“ vermitteln solle.

Zu beobachten, wie eine andere Person Ihren Körper interpretiert, kann aufschlussreich, wenn nicht sogar beunruhigend sein.

Stijn van den Broek, 33, der in einem Second-Hand-Laden in der Nähe von Tilburg arbeitet, stellte fest, dass seine Bewegungen „weniger elegant aussahen“, als er es sich vorgestellt hatte. Arab, der Spoken-Word-Künstler, der seine sogenannten „Angsthände“ gespendet hat, sagte, dass der Prozess ihm ein neues Gefühl der Eigenverantwortung für sein Knöchelknacken vermittelt habe. „Ich habe das Gefühl, dass ich es für mich beansprucht habe“, sagte er.

Tjan, der Direktor der Königlichen Kunstakademie in Den Haag, erkannte, dass er dazu neigt, seinen Körper so anzuordnen, dass er weniger Platz einnimmt. Der Tänzer, der ihn interviewte, „entdeckte, dass ich meine Daumen verstecke“, sagte er und legte sie flach auf seine Handflächen. „Darüber hatte ich noch nie nachgedacht, aber es war genau richtig.“

Infolgedessen nahm er in seinem Berufsleben einige Anpassungen vor, angefangen mit der Anschaffung einer auffälligen Jacke. „Es hat diese leuchtend gelbe Farbe, Sie können es also nicht übersehen, oder Sie können mich jetzt nicht übersehen“, sagte er.

Das Archiv ist fortlaufend und lebendig, was bedeutet, dass die Tänzer weder ein- noch ausstempeln können. „Dein Körper muss im Training bleiben. Wenn du aufhörst, ist dein Kunstwerk weg“, sagte Heitmann. „Ich möchte keine Maschinen für Tänzer, aber wir müssen versuchen, so viel wie möglich zu erhalten.“

Gelegentlich dringen die Bewegungen anderer Menschen in das Leben der Tänzer ein. Berkhout, der hauptberuflich als Verwalter der Sammlung arbeitet, bemerkte, dass vergessene Gesten manchmal unerwartet wieder auftauchen. Eines Morgens erwachte sie in Embryonalstellung, die Hände zwischen den Knien verschränkt, obwohl sie normalerweise mit ausgestreckten Gliedmaßen schläft. Die Pose gehörte einer ghanaischen Frau in den Vierzigern, die sie im Jahr zuvor interviewt hatte. „Das ist Dora“, dachte sie.

Es gibt kein Enddatum für das Archiv, das größtenteils von niederländischen Kulturinstitutionen und verschiedenen gemeinnützigen Stiftungen finanziert sowie durch Residenzen in verschiedenen europäischen Museen und Galerien unterstützt wird. Wenn ein Tänzer in den Ruhestand geht, erbt theoretisch ein anderer die Rolle und die damit verbundenen Gesten. Dieses Engagement macht die Arbeit für Menschen, die mit Verlusten zu tun haben, besonders wertvoll. Heitmann hat Anfragen für Interviews in Hospizzentren und Krankenhäusern erhalten. Nach dem Tod einer jungen Belgierin spendeten ihre Mutter und ihr Freund in ihrem Namen Geldspenden. Ihre Familie besuchte mehrere Aufführungen, erinnert sich Heitmann, „zum Abschied nehmen oder zum gemeinsamen Auswendiglernen“.

Heitmann steuerte auch gebrauchte Bewegungen bei, die sie mit ihrem Vater verbindet. Nach seinem Tod hinterließ er lediglich die Kontoauszüge und Steuerberichte, die der deutsche Staat in seinem Namen aufbewahren musste. Es zeige „ein sehr einseitiges Bild“, sagte sie.

Die Tänzer führen nun seine Bewegungen wie die eines jeden anderen Spenders aus: so, wie Heitmanns Vater, der Tanzlehrer war, sich am Kopf kratzte, oder wie er instinktiv den Bauch einzog, wenn er vor einem Studiospiegel vorbeiging.

Die Gesten seien nicht besonders wichtig, bemerkte sie, aber auch seine Steuererklärungen seien nicht wichtig. „Es ist eine eher menschliche Erinnerung“, sagte sie.

Abgebildete Spender: Mahat Arab, Marijne van Dam, Marianne Defesche, Ton Joore, Chandra Merx, Danii Merx, Karen Neervoort, Merijn van der Schaaf, Bernardie Schols, Yda Sinay, Marieke Smeets, Ranti Tjan und Frans van Vugt.

Abgebildete Tänzer: Wies Berkhout, Julia Drittij, Eleni Ploumi, Ornella Prieto und Karolien Wauters.

„Surfaceing“ ist eine Kolumne, die die Schnittstelle zwischen Kunst und Leben untersucht und von Alicia DeSantis, Jolie Ruben, Tala Safie und Josephine Sedgwick produziert wird.

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